Corso Teatro, Nuova Colmena, Prato

Corso Teatro - Primo Livello

Corso di Teatro Creativo

diretto da: Lorella Paola Betti e Antonella Bretti

in collaborazione con il Comune di Prato

L'obiettivo principale che questo Corso di Teatro Creativo si propone è quello di allargare l'idea teatrale che ognuno, consapevolmente o meno, porta in sé. E' importante che il teatro diventi uno strumento di conoscenza e di identità: quando usciamo fuori da uno spettacolo dovremmo sentirci, infatti, cambiati, come se conoscessimo qualcosa in più della vita.

Inoltre il corso è teso a sviluppare le potenzialità creative di ogni partecipante. Si avvale, quindi, di tecniche psicologiche specificatamente indirizzate a sprigionare la fantasia e il teatro interno di ogni aspirante attore.

Dopo esercitazioni su improvvisazioni, monologhi e dialoghi, i partecipanti sono stimolati e guidati ad interpretare un personaggio.

Questo metodo, operativo e funzionale, permette a chiunque lo desideri un avvicinamento autentico al teatro, rendendo consapevole il partecipante che ogni creazione artistica nasce dal bisogno di esternare, esprimere e concedere parti di sé, non dal copiare ma dall'inventare, non dal declamare testi ma dal viverli.

Obiettivo finale: vivere emozioni e trasmetterle al pubblico.

Programma generale primo livello

Esercizi per attenuare la timidezza e ansia da prestazione.

Esercizi atti a sprigionare la creatività e il “teatro interno” dei partecipanti.

Elementi di base della recitazione.

Rapporto con il palcoscenico, movimento creativo e giochi di gruppo.

Lavoro sul corpo – Metodo di improvvisazione Boal – Espressione corporea - Rilassamento di base – Riscaldamento – Mimo, clownerie, commedia dell’arte.

Lavoro sulla voce – Tecniche di respirazione – Fonazione – Articolazione – Tecnica vocale – Elementi di dizione.

Psicologia dell’attore e lavoro sulla creatività – Esercizi psicofisici – Tecniche psicodrammatiche – Improvvisazione – Lavoro sull’atmosfera e sui sentimenti.

Lavoro sul personaggio – Ideazione, immaginazione, composizione, assunzione e interpretazione.

Lavoro sullo spazio, la coralità e la presenza scenica - Improvvisazione creativa, presenza scenica, lavoro sul ritmo e il senso di gruppo.

Saggio finale a Giugno

Programma specifico

1. Respirazione, fonazione, articolazione suono, toni, voce, timbro, diaframma. Il corpo in movimento, entrata neutra, presenza scenica.

2. Esercizi per attenuare la timidezza e ansia da prestazione. Esercizi atti a sprigionare la creatività dei partecipanti.

3. Emissione vocale. Portare la voce. Primi elementi di dizione. Metodo “Boal” sullo spazio e ritmo. Improvvisazione a canovaccio e a tema.

4. L’improvvisazione creativa. Primo lavoro sui sentimenti. Parola, intenzione, azione, espressione del sentimento.

5. Esercizi vocali polifonici, elementi di coro. Movimenti liberi di danza. Metodo “mimesico” di Orazio Costa (acqua, terra, fuoco, cielo)

6. Primi rudimenti di ideazione del personaggio. Rapporto teatro/personaggio. Il teatro interno e i suoi personaggi: immaginare, creare, vivere la creazione.

7. Letture poetiche. Macchine dell’improvvisazione. Sketch comici. Improvvisazioni a due. Il corpo e i sensi. Conoscenza del corpo.

8. Improvvisazioni libere con personaggio e senza personaggio. Immaginazione creativa. Conoscere il personaggio. Parlare con il personaggio.

9. Voce, impostazione di brani. Entrata scenica. Singole potenzialità. Espressione sentimenti liberi e a tema. Piccola auto-regia.

10. Composizione, assunzione vissuta del personaggio. Improvvisazione e interpretazione del personaggio.

11. Elementi di coralità. Tecniche di rilassamento. Dissociazione del movimento, mimo. Commedia dell’arte. La maschera neutra.

12. Interazione dei personaggi. Giochi di gruppo con i personaggi. Situazioni sceniche per sperimentare la propria capacità di interpretazione e presenza scenica.

13. Raccordo Finale

Materie trattate durante il corso

Il corpo e la psicologia dell'uomo si influenzano reciprocamente e vivono in costante interazione.

L'attore deve considerare il suo corpo come uno strumento per esprimere in scena idee creative.

Ogni movimento è una piccola opera d'arte. Il corpo dell'attore è uno strumento raffinato che produce movimenti e crea forme.

Attraverso il corpo l'attore comunica allo spettatore la sua energia interna e la sua forza.

Per il lavoro sul corpo vengono utilizzati i seguenti approcci metodologici: Metodo Baol - Metodo Orazio Costa - Metodo Jerzy Grotowski.

Il corpo e la psicologia dell'attore

La voce e il suono

Fin dall'infanzia è importante sviluppare nell'individuo un corretto uso della voce.

I bambini, influenzati dall'ambiente (compagni, radio, televisione) tendono inconsapevolmente ad assimilare comportamenti vocali a volte sbagliati.

E' necessario un addestramento in grado di predisporre l'attore verso un uso della voce che garantisca prima di tutto un sano comportamento vocale e poi una possibiltà di gioco con i diversi colori che la voce può creare.

Esercizi di: Respirazione - Fonazione - Elementi di base di dizione - I colori della voce.

L'intenzione e l'espressione

Esistono diversi modi per provocare nell'attore stati d'animo e sentimenti.

Necessita un'immaginazione ben allenata, la capacità di immergersi in un'atmosfera, "memoria emotiva", un corpo prestante e disponibile ad accordare gesto e azione all'intezione e la voglia di concedersi, di comunicare con il pubblico.

Estrapolati dalla migliore psicopedagogia attoriale: Esercizi per attenuare la timidezza e ansia da prestazione - Esercizi atti a sprigionare la creatività dell'attore - Lavoro sull'improvvisazione - Lavoro sull'atmosfera e i sentimenti - Lavoro sul ritmo.

Analisi, assunzione ed interpretazione del personaggio

L'immagine creativa è il canale principale attraverso il quale l'attore trova modo di esprimere la propria individuale (e perciò sempre unica) interpretazione del personaggio da rappresentare.

Creare nel vero senso della parola significa scoprire cose nuove all'interno di sè per poi concederle all'esterno, al pubblico.

Imparare a decodificare ed assumere la psicologia e la vita interiore dei personaggi è fondamentale per chi desidera fare teatro in modo consapevole.

Per il lavoro sul personaggio verrano utilizzati i seguenti approcci metodologici: Metodo K. Stanislavskij - Metodo Michail Cechov.

Lavoro di gruppo e spirito di aggregazione

Il magico spirito di gruppo permette al partecipante di integrarsi preziosamente con i propri compagni di scena e gli dona fiducia e padronanza di sè, facendolo tendere con generosità verso un obiettivo comune: lo spettacolo finale.

Lavoro sulla presenza scenica e sul rapporto di gruppo.

Il momento dello spettacolo genera eccitazione, timore, reverenza, è in fondo una celebrazione del fuoco che ha unito il gruppo per tutto il percorso.

L'atmosfera che si respira raggiunge alti picchi di magia.

Spettacolo finale

Sempre più vicino alla meta, i componenti del gruppo iniziano con spirito solidale a tendere verso il bene primario: lo spettacolo finale.

Accettano orari prolungati e posticipano impegni personali, in definitiva si mettono al servizio dello scopo superando vari ostacoli e sviluppando comprensione, coraggio, pazienza, spirito di aggregazione e organizzazione.

Lo spettacolo finale è una verifica importante, dona fiducia e padronanza di sè...

Il percorso è aperto a tutti senza limiti d’età, frequenza settimanale, dalle 21.00 alle 23.00.

Luogo incontri: Prato (Centro) - Inizio Corso: Ottobre/Novembre - Spettacolo Fine: Giugno